Emmylou Harris: esto son canciones!

 

Sweet Dreams es una canción que trasciende generaciones. Escrita por Don Gibson. Encontró su hogar en el álbum de Emmylou Harris, Elite Hotel, lanzado en 1975. La canción se elevó a la cima de las listas, reclamando el puesto # 1 en el Billboard Hot Country Singles y Canada RPM Country Singles.

«Sweet Dreams» se erige como un testimonio del poder perdurable de la música para tocar el alma. A través de esta obra maestra melódica, Emmylou Harris ha grabado su nombre en los salones de la brillantez musical, dejando una huella indeleble en los corazones de todos los que han tenido el privilegio de disfrutar del radiante resplandor de la canción.

Boulder to Birmingham escrita por Emmylou Harris, apareció por primera vez en el álbum de Harris de 1975 Pieces of the Sky. Ha servido como una especie de melodía característica de la artista y relata sus sentimientos de dolor en los años posteriores a la muerte de la estrella del country rock y mentor Gram Parsons. Al principio de su carrera, Harris salió de gira con Gram Parsons y cantó en sus dos álbumes en solitario.

Together Again es una canción destacada que muchos entusiastas de la música country conocemos y nos encanta. Si bien la canción volvió a ser famosa a través de la versión de Harris, fue escrita y grabada originalmente por Buck Owens en 1964. La canción se convirtió en un éxito significativo para Owens, alcanzando el primer lugar en la lista Billboard Hot Country Singles, y desde entonces ha sido un clásico querido en el género de la música country. Aquí le acompaña. como muy a menudo, Rodney Crowell.

«Together Again» sigue siendo una de las canciones más perdurables de Emmylou Harris. Es un testimonio de su capacidad para reinterpretar los clásicos de una manera que se siente fresca y relevante. El éxito de la canción en las listas de éxitos y su continua popularidad entre los apasionados del country, subrayamos su atractivo atemporal. Sólo empezar, se me pone el vello de punta. Tanto si eres fan de Emmylou Harris desde hace mucho tiempo como si eres nuevo en su música, «Together Again» es una canción que merece un lugar en tu lista de reproducción. Y la versión de Ray Charles de 1966, tampoco se queda atrás.

Too Far Gone profundiza en temas de desamor, pérdida y la lucha por superar una relación que claramente ha terminado. El narrador lidia con la dolorosa comprensión de que su amor se ve eclipsado por los afectos de otra persona.

La música en sí misma realza el significado de la canción, contribuyendo a su estado de ánimo melancólico pero tierno. La instrumentación presenta melodías suaves, con steel guitar y armonías suaves que evocan una sensación de nostalgia y tristeza. La emotiva entrega vocal de Harris agrega capas de profundidad a las letras. La atmósfera general es reflexiva e inquietante, invitando a los oyentes a conectarse con sus propias experiencias de amor y pérdida. Esta combinación de patetismo lírico y musicalidad crea una poderosa resonancia emocional que perdura mucho después de que la canción haya terminado.
En casi todas estas canciones country, hay una entrada suave con ligero acompañamiento, hasta que entran los demás instrumentos, destacando el dobro con su característico maullido o lloro, que te hacen reconocer que este tipo de música, siendo sencillo, está muy bien trabajada y llega a lo más íntimo.

One of These Days grabada por primera vez por George Jones en 1972, y lanzada con éxito por la artista estadounidense de música country Emmylou Harris en marzo de 1976 como el segundo sencillo del álbum Elite Hotel.

"One of These Days" de Emmylou Harris es una canción reflexiva que explora el deseo de transformación personal, la libertad de las limitaciones y la búsqueda de la paz interior. La frase recurrente "One of these days" representa una visión esperanzadora de un futuro en el que el cantante puede liberarse de sus circunstancias actuales y encontrar una sensación de satisfacción y autenticidad. Las imágenes y los temas de la canción resuenan con cualquiera que haya anhelado un nuevo comienzo o un sentido más profundo de sí mismo.

You Never Can Tell, también conocida como "C'est La Vie" o "Teenage Wedding", es una canción escrita por Chuck Berry. Fue compuesta a principios de la década de 1960 mientras Berry estaba en una prisión federal. Esta canción, un típico rock, ya suena más alegre que el country.

La canción habla de la boda de dos adolescentes y su estilo de vida posterior. Viviendo en un modesto apartamento amueblado con artículos comprados en oferta en Sears o, Roebuck, incluido un refrigerador de la marca Coolerator, el joven encuentra trabajo y comienzan a disfrutar de una relativa prosperidad. Eventualmente, compran un "miniautobus mejorado" y viajan a Nueva Orleans, donde había tenido lugar su boda, para celebrar su aniversario. Cada verso termina con el estribillo: "'C'est la vie', dicen los viejos, lo demuestra que nunca se puede decir".
Emmylou la registró en 1977 y, más tarde, volvió a ponerse de moda en 1994 con el gran baile en Pulp Fiction.

Making Believe es música country que Kitty Wells grabó y que encabezó las listas de éxitos en 1955 y Emmylou en 1977. La canción está en muchas listas de las mejores canciones de música country de todos los tiempos y ha sido versionada por decenas de artistas.

Two More Bottles of Wine escrita y grabada en 1975, fue versionada por Emmylou en 1978. En la canción, el narrador se muda con su amante a Los Ángeles, a 1.600 millas de su casa, en busca de éxito, pero el amante se va abruptamente. El narrador es abandonado a su suerte, finalmente trabaja "barriendo un almacén en el oeste de Los Ángeles", pero concluye que todo está bien porque todavía tiene "dos botellas de vino más".

Cuando se oye por primera vez Evangeline, la canción de R. Robertson de The Band, que cantó Emmylou Harris, se puede pensar que es un estándar sureño tradicional. Pero no fue así, de hecho, la interpretación y grabación de "Evangeline" demuestra lo bueno que era Robertson, al recrear líricamente el sonido de Louisiana, con la angelical Emmylou Harris a un lado cantando junto a los conmovedores canturreos sureños con sus compañeros de The Band.

Robertson dijo: "Había escrito 'Evangeline' como parte de The Last Waltz Suite. Lo hicimos durante el concierto. Emmylou Harris era fresca y representaba una especie de nueva escuela de la música country y también es muy fotogénica. Tiene una gran relación con la cámara". Emmylou no pudo presentarse en el concierto y más tarde, con la colaboración de The Staple Singers, en un estudio la grabó para añadirla a la película

En la escena específica inspirada en la nube en The Last Waltz donde Harris parecía un ángel cantando junto a la majestuosidad más mortal de The Band, el humo era hielo. Era hielo que Scorsese había hecho para difuminar un poco la cosa. La canción era sobre el área de los Everglades, pantano donde todo se ve de una manera brumosa".

Ella está de pie en las orillas del poderoso Mississippi,

sola a la pálida luz de la luna,

esperando a un hombre, un jugador

de barcos, dijo que volvería esta noche.

Así comienza la historia de Evangeline. Este fue el canto del cisne de Robbie Robertson como compositor de The Band. Todavía lo estaba terminando durante el Día de Acción de Gracias de 1976, durante el concierto de The Last Waltz.

John Lee Hooker

 

John Lee Hooker fue un cantante y guitarrista de blues estadounidense. Saltó a la fama interpretando una adaptación al estilo de la guitarra eléctrica del blues del Delta que desarrolló en Detroit. Hooker incorporó a menudo otros elementos, como el talking blues y el hill country blues del norte de Mississippi. Desarrolló su propio estilo de boogie rítmico.

Boogie Chillen' o "Boogie Chillun" es un blues grabado por primera vez por John Lee Hooker en 1948. Es una actuación en solitario con la voz, la guitarra eléctrica y los pisotones rítmicos de Hooker. Las letras son en parte autobiográficas y alternan entre versos hablados y cantados. La canción fue su álbum debut y en 1949, se convirtió en la primera canción de blues eléctrico en alcanzar el número uno en la lista de discos de R&B. Aunque se llama boogie, es esencialmente, música de backcountry, pre-blues, monótono y abierto sin una forma de verso fijo que se prestaba a construir un efecto acumulativo, similar al trance,"asemeja al blues country.   "La canción casi no tiene melodía. Menos aún armonía. De hecho, es difícil llamarlo una canción. Es más como un poco de flujo de conciencia en tiempo de 4/4".

"La cosa se incendió. Sonaba en todo el país. Cuando salió, cada máquina de discos que oías, cada lugar al que fuiste... Estaba sonando allí".  Entró en la lista Billboard Race Records el 8 de enero de 1949, donde permaneció durante dieciocho semanas.  B.B. King, que era un disc jockey en una radio de Memphis, presentaba regularmente la canción de Hooker y recordaba: Casi no había nadie que estuviera tocando en ese momento que no tocara "Boogie Chillen". Así de pesado era... Yo, por mi parte, y muchos otros que salían a tocar, si no tocabas "Boogie Chillen'" en ese momento, la gente probablemente te miraba y se preguntaba qué te pasaba. Fue un disco muy grande.

Su figura y su sonido, como también Muddy Waters, fueron una de las máximas inspiraciones para la escena del blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de la década de 1960. Los Rolling cuando escucharon esto, se apuntaron rápidamente y aquí junto con Eric Clapton en 1989.

I'm in the mood es una canción de blues escrita y originalmente interpretada por John Lee Hooker, y grabada por primera vez por él en 1951. Se informa que la grabación original es uno de los discos de blues más vendidos de todos los tiempos. Hooker afirmó que la canción fue inspirada por "In the Mood" de Glenn Miller. Tambien fue regrabada por Hooker con Bonnie Raitt, en su álbum de 1989 The Healer. La canción ganó un Grammy a la Mejor Grabación de Blues Tradicional en 1989.

Tambien hay otra canción muy popular de 1935 de título y letra casi guales, I'm in the Mood for Love; y una película del año 2000, de Wong Kar-wai.

 

Dimples es un blues de tempo moderado que "suena como un blues de doce compases con algunos ritmos amputados... impartiendo una sensación de desequilibrio ... ese fue precisamente el 'gancho' que le dio a la canción su extraño atractivo". Es de 1956 y aquí está el video que sacaron en 1997.

"Dimples" demostró ser una de las favoritas entre las bandas de blues-rock posteriores como una elección de material de portada. The Animals hicieron una buena versión en la que Eric Burdon puso más pasión en la letra que Hooker en su línea vocal característicamente despreocupada en el original. El Spencer Davis Group lo convirtió en su primer sencillo en 1964, subiendo el ritmo, añadiendo armónica y con una voz bastante exuberante de un adolescente Stevie Winwood. De vuelta en el lado del Atlántico donde se originó la canción, los Allman Brothers lo hicieron en la década de 1970.

Hobo Blues de John Lee Hooker es una canción que se destaca del resto. De su vasta discografía, es quizás el único grabado en guitarra acústica. Se toca en un estilo de guitarra Delta tradicional, a diferencia de su estilo eléctrico más habitual. Está estructurado de manera diferente a la mayoría de las canciones de blues, sin quinta en la progresión de acordes excepto al final, compases por verso que varían de ocho a diez en lugar de los 12 habituales, y sin rimas en la canción. Sin embargo, Hobo Blues encaja perfectamente en la discografía de The Hooker. Tiene su ritmo de pie clásico, tarareo característico y solos intrincados.
La canción trata sobre la práctica de subirse ilegalmente a los trenes de carga para moverse rápidamente por el país. Aunque tuvo su apogeo en la Gran Depresión, el transporte de mercancías habría seguido siendo popular en el sur, especialmente entre los pobres del delta del Misisipi.

Aquí tenemos una versión de Hooker, sólo con guitarra en 1965 y otra de 1990 con Ry Cooder, porque no podía dejar pasarla. Desde que vi Paris,Texas me encanta como toca la guitarra Ry Cooder.

No Shoes cuenta una narración conmovedora de la pobreza y las dificultades que la acompañan. La letra describe una situación desesperada en la que el protagonista no tiene comida en la mesa ni zapatos que ponerse.

Boom Boom, grabada por primera vez en 1961. Aunque se convirtió en un estándar del blues, un crítico musical la llama "la mejor canción pop que jamás escribió". "Boom Boom" fue un éxito en las listas de R&B y pop estadounidenses en 1962 y un éxito entre los veinte primeros del Reino Unido en 1992.
La canción es una de las canciones más identificables y duraderas de Hooker y "una de las melodías que todas las bandas del circuito de R&B [de principios de la década de 1960] simplemente tenían que tocar". Ha sido grabada por numerosos artistas de blues y otros artistas, incluyendo un éxito norteamericano de 1965 de The Animals.

 

En 1989, John Lee Hooker alcanzó el éxito comercial y de crítica con The Healer, un álbum que lo emparejó con músicos como Carlos Santana y Bonnie Raitt. Con Mr. Lucky, en 1991, los productores Cooder, Rogers y Santana siguen la misma fórmula exitosa, con críticas mixtas; Rolling Stone elogió el álbum, mientras que otra revista describió el álbum como esencialmente "un álbum homenaje" donde "la mayoría de las canciones... no suena como Hooker en absoluto". Aquí el video de Mr. Lucky, acompañado por Robert Cray. La canción es de 1967.

En 1967 el cantate Johnny Rivers compuso la Oda a John Lee Hooker, un sentido homenaje al músico de blues, grabado en directo en 1967 en el Whisky A Go-Go de Los Angeles. A principios de los 70 sonaba mucho por aquí y se bailaba hasta quedar exhausto, por sus casi 16 minutos de duración, lo que hizo que viera limitada su radiodifusión.

Brassens - Brel

Durante el curso 1961-1962, yo hacía 5º de Bachillerato y una de las asignaturas, a pesar de ser de Ciencias, era Historia del Arte. Supongo que, debido a esto, en el salón de actos del colegio, nos ponían, de vez en cuando, una buena película. Sólo me acuerdo de dos, pero esas nunca se me olvidan.

Una era El tercer hombre y la otra, La puerta de las lilas. De El tercer hombre poco hay ya que hablar, la he visto varias veces y siempre me ha parecido una gran película con una gran banda sonora.

Una de las puertas (en las antiguas fortificaciones) de París, Porte de Lilas, da nombre a la única película en la que George Brassens interpretó como actor. La puerta de las lilas es de 1957 y su director René Clair es considerado uno de grandes directores franceses. La película fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, pero no lo consiguió. Es bella por su fotografía y su mensaje profundo y, tal vez, insuficiente por su excesiva ingenuidad. Por eso, supongo, en un colegio religioso y en aquellos años la película tenía que desarrollar el “buenismo”.

En Paris hay una estación de metro con el nombre de Porte de Lilas y por allí parece que entró Brassens en Paris desde Sète. En la película hace su primera aparición escénica George Brassens y la canción que tiene el mismo título, está en el disco pero no se escucha en toda la peli.

A la Porte de Lilas

Au boix mon coeur

             Les lilas

Je me suis fait tout petit

                               

Las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa, es un territorio de ultramar de Francia en medio del Océano Pacífico. "Les Marquises" es el último disco de Jacques Brel de 1977, que compuso en las islas, estando ya muy enfermo. Un texto poderoso, oscuro, casi funerario (murió un año después) pero al mismo tiempo una despedida de la vida, celebrada en su estado primario y salvaje de naturaleza.

La ville s'endormait de Jacques Brel retrata las observaciones del compositor mientras una ciudad duerme. La repetitividad de los versos La ville s'endormait enfatiza la atmósfera tranquila y silenciosa, que el narrador encuentra algo olvidable.

En los versos finales, Brel presenta a una dama desconocida que está casi desnuda, sólo con una tela de lino bailando. Su presencia añade un toque de encanto y misterio a la escena, que de otro modo sería tranquila, dejando al oyente con una sensación de intriga y asombro. Da una sensación de desapego y anonimato a medida que la ciudad se desvanece en el letargo.

Las canciones de Brel (sus letras) son, en muchos casos, difíciles de entender. Nada es simple con Brel, humanista amargo, amante herido.

Voir un ami pleurer es una canción profundamente emotiva y conmovedora que explora las diversas luchas y dificultades de la vida. Las letras representan una sensación de desilusión, pérdida y el peso aplastante del mundo.

Sin embargo, entre todas estas dificultades, el momento más desgarrador es ver a un amigo llorando. Destaca el dolor y la vulnerabilidad que conlleva ver sufrir a un ser querido, evocando una profunda emoción.

En general, "Ver llorar a un amigo" profundiza en los profundos tormentos emocionales y las complejas realidades de la vida, instando a los oyentes a reconocer y empatizar con el sufrimiento de los demás.

Jojo fue escrito como un homenaje a un amigo muy cercano del cantante que murió el 2 de septiembre de 1974. Jojo antes de ser una canción, fue también, en 1976, el nombre dado por Jacques Brel a su avión, un avión bimotor que utilizó durante su estancia en la isla, y que transformó en un avión-taxi para ayudar a los habitantes de las islas vecinas.

Les Marquises, no son Tahití, ni San Bartolomé y menos aún Saint-Tropez... Al igual que Gauguin, Jacques Brel eligió las Islas Marquesas para encontrar su libertad y tranquilidad, una tierra alejada de la sociedad de consumo y de la jet set... Una isla donde el hombre no tendría miedo... Como una última oportunidad...

Lole y Manuel

 

Cuando llegamos a Barcelona en 1971, coincidimos en el mismo edificio, una serie de parejas que veníamos a nuestro primer trabajo, recién casados, y provenientes de distintos lugares de España e, incluso, de Chile. Había andaluces, extremeños, mallorquines, madrileños y un murciano. Una mayoría del sur y, cuando en 1973, empezó a sonar Paco de Lucía y su "Entre dos aguas", nos caló inmediatamente. Además, una de las andaluzas era de Ceuta (entre dos aguas). Así que cuando organizábamos una fiesta, en cualquier momento podía sonar música del Nuevo Flamenco, por ejemplo: Lole y Manuel y, un grupo de sólo un LP, Cal y Canto.

Lole Montoya es una cantante, bailaora y compositora española gitana de Triana, de una familia famosa de bailaores y cantantes flamencos. Su madre, Antonia La Negra, nació en Argel, luego pasó a Tanger, por lo que hablaba árabe fluido, y finalmente a Triana. Lole, durante más de 20 años, formó con su pareja sentimental, el guitarrista y cantaor Manuel Molina Jiménez, de Ceuta, el dúo Lole y Manuel.

Además de cantar, Lole decidió muy joven aprender baile y anduvo por los tablaos flamencos de prestigio. Y Manuel ya había tocado con Chiquetete y Smash. Aquí Lole con su familia baila y canta Alquivira en 1973.

1975 fue el momento fijado para la publicación de su Lp debut, Nuevo Día, que representó una revolución y un disco a contracorriente de su tiempo, el ejemplo de un nuevo flamenco joven. Sus letras no entraban en el contexto de la transición, nada de política o cantos a la libertad, sino más bien un discurso hippie plagado de amor o paz.

1975 - Érase una vez (Un cuento para mi niño) o La Mariposa

1976 - Dime

1976 - Alquivira

1976 - Tu mirá

Y hasta Tarantino mete en su película Kill Bill vol.2, la canción Tu mirá de Lole y Manuel.

Kill Bill vol.2 - Tu mirá

En el año 1973, en Almería, un grupo de jóvenes, amantes del folklore y del flamenco, crearon el grupo musical Cal y Canto, nombre dado por el poeta andaluz Rafael Alberti. En verano de 1975, en Madrid, Cal y Canto graba su primer LP, Cal y Canto, con canciones populares del folklore almeriense y andaluz. Se editan los dos singles Cada verso un camino y Marinero en tierra, extraidos del primer LP Cal y Canto.

No hay más que dos grabaciones en video de este grupo y ninguna es Marinero en tierra, pero con una de las que hay he hecho este montaje, en el que se nota que no están cantado esa canción, pero quería que hubiera constancia de quienes eran. En 1977, el grupo se disuelve, unos deben de hacer el servicio militar, otros deben de continuar sus estudios.

 

Hispanoamericanos

 

En 1973 se vivieron historias muy fuertes en Latinoamérica: en la Argentina con la vuelta de Perón; en Chile, Pinochet dio el golpe que derrocó a Salvador Allende; y en Uruguay, el presidente Bordaberry cedió a las presiones militares y les entregó a los uniformados la conducción del gobierno. 

En ese tiempo de duros conflictos, el cantautor Daniel Viglietti había estado preso por sus actividades políticas cercanas a la izquierda y a los Tupamaros. El Golpe en Uruguay hizo que tuviera que exiliarse, pero antes de marcharse, Viglietti llegó a publicar el álbum Trópicos, cuya estatura artística alcanzaría niveles notables, aún hoy importantes, aunque hayan pasado más de 50 años.
De aquel album, aún hoy conservo el impacto que me causó la canción Construcción de Chico Buarque de Holanda, cantautor brasileño. Al escucharla de nuevo, he caído en que todas las estrofas terminan en una palabra esdrújula. Buen trabajo. La letra fue compuesta en versos dodecasílabos, que siempre terminan en una palabra esdrújula. Los 17 versos de la primera parte son prácticamente los mismos diecisiete que componen la segunda parte, cambiando sólo la última palabra.
En una elección en 2009, impulsada por la versión brasileña de la revista Rolling Stone, "Construção" fue votada como “la mejor canción brasileña de todos los tiempos”.

El catálogo de grabaciones maestras de Fania es el hogar definitivo de géneros como la big band latina, el jazz afrocubano, el boogaloo, la salsa y el R&B latino e incluye gigantes artísticos como Celia Cruz, Willie Colón, Héctor Lavoe y Rubén Blades. Con la creación del supergrupo internacional conocido como Fania All-Stars. Y hubo una temporada, a mediados los 70’s en que sonaba y se bailaba bastante, al menos en Barcelona. Es posible que influyera la gran cantidad de exiliados de Sudamérica, que no es nada comparado con estos días.

Pablo Pueblo de Rubén Blades es un profundo retrato social y político que refleja la vida diaria de un trabajador común en América Latina. A través de la figura de Pablo, Blades captura la esencia de la lucha diaria contra la pobreza, la decepción política y la persistente esperanza que caracteriza a muchos ciudadanos en situaciones similares. Fijándome en el video, veo que Willie Colón le acompaña con la trompeta.

Según el color, de Willie Colón y Rubén Blades explora la idea de que las perspectivas y experiencias moldean la forma en que percibimos el mundo. La letra resalta la disparidad en las vidas de las personas, basada en su estatus socioeconómico y sus antecedentes culturales.

Pedro Navaja compuesta por el músico panameño Rubén Blades e interpretada por él mismo junto con Willie Colón en 1978 y forma parte del álbum Siembra, el disco más vendido de la historia de la salsa. A finales de 2014, la Jazz at Lincoln Center Orchestra con Wynton Marsalis dio la bienvenida a un invitado muy especial a su escenario de Manhattan: el cantante, compositor, actor y activista Rubén Blades, ganador de nueve premios GRAMMY. En esta pieza no tiene intervención Wynton, sólo está arriba sentado. La interpretación comienza con el origen de esta canción, Mike the Knife.

Rata de dos patas, por Paquita la del Barrio es del compositor Toscano, que asegura que le quedaron grabados los alaridos del público cuando ella cantaba alguna de sus canciones con insultos a los hombres. Entonces, pensó en qué pasaría si Paquita la del Barrio cantara una canción que tuviera frase tras frase contra los hombres. Y salió 'Rata de dos patas' en el año 2000.

Toscano finalmente reveló que: "la canción estaba inspirada en un hombre que no era de la vida de Paquita la del Barrio. No fue escrita para echarle insultos a otro hombre. Fue pensando en este presidente de la República". Así, sin mencionar directamente su nombre, esta descripción llevó a una figura conocida por todo México: el expresidente Carlos Salinas de Gortari.

Tres veces te engañé no sólo es una canción popular, es un himno que trasciende las paredes de bares y fiestas, donde las voces femeninas la entonan con fervor. Junto a otras piezas de su repertorio, esta canción ha cimentado a Paquita la del Barrio como una figura de resistencia frente al machismo y un icono indiscutible de la música ranchera. Es mucho más que una canción de despecho. Es una declaración de independencia emocional, una denuncia al machismo y un homenaje al valor de las mujeres que buscan su autonomía. Esta obra ha convertido a Paquita en un símbolo de lucha y fortaleza en la cultura mexicana.